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lunes, 12 de diciembre de 2011

DE INTERÉS GENERAL

Yo Yo Ma
I
“EL PODER DE LA MÚSICA” PARA AFECTAR EL CEREBRO

Escuchar música puede hacer que usted se sienta más relajado, pero en algunas culturas, se utiliza para aliviar el dolor.

La ciencia casi admite, sin llegar a confirmar, que los seres humanos estamos “cableados” para responder a la música. Los estudios también sugieren que la música podría algún día ayudar a curar la enfermedad de Parkinson o a los pacientes que han sufrido un derrame cerebral.

En El Poder de la Música, Elena Mannes explora cómo la música afecta a diferentes grupos de personas y cómo podría desempeñar un papel estelar en el cuidado de la salud.

Mannes ha dado seguimiento a la relación humana con la música a lo largo de su vida. Ella le dijo a Neal Conan, de NPR, que hay estudios que muestran que los niños prefieren "intervalos consonantes, los de sonido suave que suenan bien a nuestros oídos occidentales en un acorde, a los de una combinación de notas discordantes".

De hecho, Mannes dice que se ha encontrado que el llanto de los bebés de apenas unas pocas semanas de edad contienen algunos de los intervalos básicos comunes a la música occidental.

Ella también dice que los científicos han encontrado que la música estimula más partes del cerebro que cualquier otra función humana. Es por eso que ella ve mucho potencial en el poder de la música para cambiar el cerebro y afectar la forma en que funciona.

Mannes dice que la música también tiene el potencial de ayudar a las personas con déficit neurológico. "Un paciente que ha sufrido un derrame cerebral y ha perdido la función verbal - esas funciones verbales pueden ser estimuladas por la música", dice.

Una técnica, conocida como terapia de entonación melódica, utiliza la música para persuadir a porciones del cerebro a asumir el control de los que estén dañados. En algunos casos, puede ayudar a los pacientes a recuperar su capacidad de hablar.

Y debido a la forma en que asociamos la música con los recuerdos, Mannes dice que tales técnicas podrían también ser útiles para los pacientes de Alzheimer.

Hace un tiempo, los arqueólogos descubrieron antiguas flautas - una de las cuales se presume que es el instrumento musical más antiguo del mundo - que reproducen una escala similar a la occidental moderna.

"Y sorprendentemente", dice Mannes, "la flauta, cuando se toca, produce esos tonos increíblemente puros".

Es un descubrimiento importante, ya que añade al argumento de que la habilidad musical y el interés por esta estuvieron presentes temprano en la historia de la humanidad.

Título original 'The Power Of Music' To Affect The Brain, transmitido por NPR Radio. Traducción por Isaías Ferreira Medina de Servicios Metransol (metransol@yahoo.com)


II


CÓMO LA MÚSICA CAMBIA NUESTRO CEREBRO

La ciencia está cada vez más interesada en la relación entre el sonido y el cerebro.

Por Thomas Rogers

La música nunca ha estado más accesible. Hace apenas una década, cargábamos torpes reproductores de CD portátiles, que pesaban tanto como un libro de tapa dura y que saltaban cada vez que hacíamos un movimiento brusco. Ahora, nuestra colección completa de música (y gracias a las nuevas empresas como Spotify, casi cualquier canción en el planeta) puede caber en nuestro teléfono. Podemos escuchar música sin parar - en nuestros recorridos, en el trabajo, en el gimnasio y en cualquier otro lugar que deseemos. Pero, ¿qué está haciendo esta explosión de sonidos a nuestros cerebros?

En su nuevo libro, "Recuperación a la velocidad del sonido (Healing at the Speed of Sound)", Don Campbell, un autor que ha escrito extensamente acerca de la música y la salud, y Alex Doman, un especialista en tecnología de la función cerebral, hacen un amplio estudio acerca de lo que los últimos descubrimientos neuro-científicos nos dicen acerca de la música y el cerebro. Aunque el ruido excesivo puede ser perjudicial de distintas maneras, se ha demostrado que la música puede hacer mejorar a los niños con discapacidades de aprendizaje, ayudar a que los ancianos se sientan más conectados con el mundo, e incluso hacer que la gente mejore su estado físico. La música provee un “gancho” a los niños en los centros de la memoria del cerebro, que les permite retener más información, y puede desempeñar un papel enorme en la modificación de nuestro estado de ánimo.

Salón.com habló con Campbell por teléfono acerca de los peligros del exceso de ruido, la importancia de los ejercicios al ritmo de la música y por qué más niños deberían aprender a tocar instrumentos.

Como ustedes escriben en el libro, en los últimos años ha habido un consenso creciente de que los sonidos pueden tener efectos muy fuertes sobre nuestra salud en general.
La ciencia está comenzando a hacer preguntas muy diferentes a las de hace 20 o 30 años. Hace solo 3 meses, la Organización Mundial de la Salud publicó un estudio de 108 páginas que me sacudió de arriba a abajo. Dice esta que el ruido es el segundo mayor contaminante en el mundo de hoy. El ruido ambiental causa enfermedades cardiovasculares, deterioro cognitivo en los niños, trastornos del sueño, zumbido de oídos, por no hablar del simple fastidio que representa. Si está demasiado alta, no importa que se trate de música clásica, rock, lo que sea, no es buena para nosotros. Y las cifras son anonadantes. Dice el estudio que el ruido nos cuesta hasta 45,000 AVAD (disability-adjusted-life years) [Años de vida ajustados a la discapacidad; es decir, 45,000 años de vida saludable están siendo sustraídos en todo el mundo debido al ruido], por año.

Acabo de regresar de una semana en Nueva York, y yo tengo una aplicación de decibelios en mi iPhone. En los subterráneos este registró mucho más de 100 decibelios. Cuando estaba fuera, debía taparme los oídos y utilizar los auriculares de reducción de ruido.

Como ustedes señalan en el libro, la comunidad científica está cada vez más interesada en el estudio de las formas en que la música puede afectar nuestros cerebros.
Nuestro hogar, nuestro trabajo, todo el mundo que nos rodea está sobrecargado de sonidos. Mediante la selección de ciertos tipos de música, podemos mejorar nuestras vidas y disminuir el estrés. La música desencadena respuestas: Si hablo con ritmo y en rima, por ejemplo, otra parte de mi cerebro, no la que simplemente responde a las palabras, se activará. La música puede establecer conexión con las emociones. Crea respuestas automáticas autónomas.

Lo que fue sorprendente para mí fue, como ustedes señalan en el libro, la música rápida en realidad tiene efectos reales sobre la capacidad del individuo para reaccionar mientras se ejercita. En un estudio de 2009 que ustedes citan en el libro, unos estudiantes universitarios pedalearon la bicicleta más rápido o más lento dependiendo de qué tipo de música estaban escuchando - y eso les facilitó que se esforzaran más.
Si usted pone ritmo a su ejercicio, no se siente cansado tan rápido debido a nuestra tendencia natural a seguir un patrón. Si quiere hacer 100 lagartijas, comenzará a contar porque necesita del ritmo. La construcción de los ferrocarriles, por ejemplo, nunca habría sucedido tan rápidamente sin el uso repetitivo de las canciones de trabajo. Un profesor de la Universidad de Northern Colorado ha hecho una extensa investigación sobre lo que ellos llaman la ritmicidad y la rehabilitación, las cuales muestran que, para las personas que han tenido lesiones, el uso de patrones rítmicos, ya sea de un metrónomo o de la música, les ayuda a sostener la habilidad de prolongar el ejercicio de la terapia de rehabilitación. Se trata de una técnica llamada arrastre (entrainment). El cuerpo crea el ritmo, y entonces el terapeuta utiliza el ritmo en un contexto de rehabilitación.

Desde una perspectiva neurológica, ¿por qué es importante escuchar y oír música desde una temprana edad?
Mientras más participación con la música desde temprano - a través del canto y el movimiento - más activa múltiples niveles del cerebro simultáneamente. Si nos fijamos en el corpus callosum [de alguien que toca música] hay más conexiones entre los lados derecho e izquierdo. Un niño que está en movimiento, bailando y cantando, aprende la coordinación entre sus ojos, oídos y el sonido desde temprano. Y [la experiencia de participar en la educación musical] ayuda a integrar los aspectos sociales, emocionales y el contexto real de lo que estamos aprendiendo. Hay estudios que demuestran que los niños que tocan un instrumento tienen una mayor puntuación en el SAT, que aprender a controlar el ritmo y el tempo no solo ayuda a llevarse bien con otros, sino que planta las semillas de ventajas similares cuando somos mayores.

¿Cómo ayuda con las discapacidades de aprendizaje?
En muchos casos, un ritmo de fondo puede ayudar y asistir a alguien con dislexia o autismo a hablar y a leer con el ritmo. La exposición a diferentes tipos de patrones - gama alta, gama media, gama baja, ritmo lento, medio, alto - puede ayudar a poner orden en sus pensamientos. En un estudio realizado en 2001, un investigador encontró que la actividad del cerero cambia cuando hay música suave, y hay evidencia biológica de que se puede eliminar una gran parte de la tensión en los niños frustrados exponiéndolos a sonidos más suaves. En el Jornal de la medicina complementaria (Journal of Complementary Medicine), en 2007, hubo un estudio que encontró que estos niños pueden canalizar más recursos cuando hablan con ritmo y rima, y cuando ellos tocan y escuchan música.

¿Cómo ayuda a las personas mayores?
Nuestra audición disminuye radicalmente después de la edad de 60 años, y cuando alcanzamos los 80 no oímos las frecuencias altas y algunos sonidos se hacen más molestos y más confusos. Bajo diferentes tipos de medicamentos, el tinnitus ocurre con más frecuencia. Es un síntoma, no una enfermedad. Aprender a producir un ritmo cuando se habla con un anciano, usar un tambor, un simple tambor de mano, del tamaño de una pandereta, para traducir y transferir, la organización del lenguaje y el pensamiento se vuelve mucho más eficaz. Hay una empresa llamada ventana oval, que produce pisos que vibran, de modo que los ancianos puedan literalmente escuchar mejor a través de las vibraciones.

Existen interesantes estudios sobre la socialización. Mientras más perdemos nuestra audición, más aislados nos volvemos. La música y el ritmo ayudan a mantener a la gente envuelta con la vida. Gordon Shaw [profesor de la Universidad de California en Irvine] ha sido un gran líder en este campo. Mi madre tuvo demencia durante 10 años, y seguido le hablé en ritmo o le toqué canciones en el piano que mi padre solía tocar para ella cuando eran jóvenes, la despertaba.

Nuestras vidas están también mucho más profundamente inmersas en la música en estos días. Ahora que los reproductores de música son tan portátiles, me siento raro al salir de la casa sin escuchar algo en mis auriculares.
Si vivimos en un mundo donde no existe el silencio o la integración, no somos tan saludables como pudiéramos ser. Hace 125 años, toda la música era real y en vivo. No teníamos radios ni iPods, y ahora es todo lo contrario.

Correcto, y a la inversa, no tenemos tanto acceso al silencio.
El silencio es parte del patrón del cerebro. Ayuda a reintegrarlo, como el sueño, pero no podemos cerrar nuestros oídos como cerramos los ojos.

Yo encuentro también que, ahora que escuchar grandes cantidades de música es tan fácil, me impaciento a los 30 segundos de estar oyendo una canción y salto a la siguiente sin ninguna razón real.
Me encanta explorar iTunes, pero solo te dejan oír algo por 20 segundos para ver si te gusta. Es como un restaurante “todo lo que puedas comer”, pero hay que entender la nutrición de la misma. Si usted está cambiando música cada 30 segundos, asegúrese de tener dos minutos de silencio real. Es como masticar la comida, por así decirlo, antes de tragarla.

En el libro, ustedes describen algo llamado "discapacidad auditiva," o "trastorno del procesamiento auditivo", en el que los niños procesan el sonido incorrectamente. Como ustedes señalan, de 2 a 3 por ciento de los niños sufren esto, pero a menudo es mal diagnosticado como ADHD o hiperactividad.
Las discapacidades auditivas fueron descubiertas por los especialistas en oído, nariz y garganta, a principios de este siglo. Se manifiesta cuando los estudiantes no son capaces de discriminar entre los sonidos o están abrumados por ellos. De repente pueden darse cuenta que no entienden las instrucciones, tienen memoria auditiva pobre, y se distraen fácilmente, tienen dificultades para leer y tienen problemas de lenguaje. Los síntomas en el procesamiento auditivo pueden afectar todo nuestro aprendizaje y el sistema de comunicación. El oído puede causar dificultades dentro de los otros pares de nervios craneales, como el nervio vago, que no sólo afecta el diafragma, sino también el corazón y la laringe. Si algo no está bien en nuestra audición, podríamos no ser capaces de hablar y conversar sobre ello de forma correcta. Conozco a un estudiante de doctorado en la Universidad de Edimburgo, que está haciendo una fina investigación acerca de estas relaciones con la audición - a menudo no vemos a los oídos como una fuente de dificultades para la lectura y el aprendizaje.

Es evidente que muchos de los lugares son muy ruidosas y ha habido una cierta discusión acerca de que tener un TV o un radio en segundo plano cuando estamos tratando de hacer un trabajo es una gran distracción para la gente. ¿Está la ciencia de acuerdo con eso?
Diferentes edades requieren diferentes sonidos. Los cerebros de los estudiantes de secundaria y la universidad están en desarrollo y protegidos de tal manera que a veces el sonido les permite concentrarse mejor. Algunos de los estudios más recientes han encontrado que si alguien va a tener música de fondo mientras estudia, es mejor la música bien estructurada como Mozart y Vivaldi y Haydn, que la música pop o la música no estructurada. Pero todos somos diferentes. Para alguien que vive en un hogar donde haya un televisor, un microondas, un calentador, así como el tráfico de afuera, su mente no puede hacer otra cosa que trabajar para filtrar los sonidos. Para esa persona, el silencio puede ser muy atemorizante. Y ahí es donde la música puede ser utilizada como un puente. He trabajado en aulas con niños de tercer grado que tienen muy poca capacidad de atención, pero si se les da unos auriculares para cancelar el ruido, de repente pueden escucharse a sí mismos pensar.

Título original How music changes our brains, publicado por Salon.com. Traducción por Isaías Ferreira Medina de Servicios Metransol (metransol@yahoo.com)
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sábado, 12 de noviembre de 2011

MÚSICA

ENSAYO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL DE REPÚBLICA DOMINICANA

Ensayan Dilema, de don Juan Lockward, con arreglos de su director, José Antonio Molina. Tire un vistazo al maestro Leo Pimentel.

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miércoles, 26 de octubre de 2011

JUAN COLÓN: UN MÚSICO CON TALENTO Y GRAN APEGO A LA IDENTIDAD DE NUESTRA MÚSICA

LUISA REBECCA VALENTÍN
www.vozdiaria.com.do

Quizás fueron los iniciales aires de los sonidos que, siendo niño, disfrutó en el hogar donde los acordes y los instrumentos formaban parte de esa cotidianidad de la morada campestre y musical.

Quizás fue el contacto con nuestra música autóctona tocando tantos años merengue, tanto aquí, como en el exterior, cuando la dominicanidad crece y se vuelve engrandecida rompiendo el pecho y empuñando el saxo para sacarle acordes de identidad.

Y así es, Juan Colón, hombre de profunda sensibilidad y extraordinaria consciencia musical, posee la poco frecuente y clara visión de que para transcender es preciso partir desde la identidad y raíces musicales. Es un versátil músico que valora y así lo testifican sus producciones musicales, la identidad nuestra y da a ella el valor justo para partir en la creación y en la trascendencia.

Igualmente, están sus aportes, a través de discos y libros. Juan Colón, ha hecho un trabajo invaluable de recolección, recopilación y valoración del patrimonio musical del gran creador Tavito Vásquez, un virtuoso del saxofón, creador nato y poco conocido y apreciado por nuestra gente.

Tiene grabados dos discos compactos como solista “Con el alma de Tavito”, el que realizó con otro gran talento dominicano, el maestro Manuel Tejada, y “Nuestro Merengue”. Además, un libro/CD para que los jóvenes estudiantes de saxofón tengan una idea de la procedencia y antecedentes del jaleo de los saxos.

Igualmente, dos libros para la educación musical de los jóvenes: “Solos de un Virtuoso”, el cual consta de las transcripciones de 60 solos tocados por el gran saxofonista dominicano Tavito Vásquez. El segundo libro es acerca de la técnica para tocar el instrumento, dicho método puede ser aprovechado por cualquier tipo de instrumentista.

“En él, el lector encontrará grandes herramientas para el dominio de la técnica”, dice Juan.

Actualmente tiene un Quinteto de Smooth Jazz-Merengue que realiza actividades constantemente en Estados Unidos. Juan muestra su preocupación por la calidad y el apego a la ética profesional impuesta en la música, lo cual pone de manifiesto, tanto a través de su música, como de su interés por dejar un legado y servir como maestro, a través de sus libros, para nuevas generaciones de músicos y estudiosos.

El viernes 11 de junio de 2010 en el Teatro Pregones del Bronx, New York, fue estrenada su composición musical "The Parsley Massacre" (La masacre del perejil). La pieza fue inspirada por la masacre de haitianos ordenada por el dictador Rafael Leónidas Trujillo Molina, en 1937. Consta de tres movimientos que retratan musicalmente este evento desafortunado. El segundo movimiento, sobre todo, ha tenido gran aclamación crítica por la empatía que transmite el compositor ante esos hechos barbáricos.

A su juicio, "la música es el arte más sublime de la creación, donde puedes expresarte a voluntad y profundidad, con sencillez y grandeza. Es la comunicación más hermosa del hombre con lo divino”. Eso es precisamente lo que transmite a quienes escuchan su música de impecable factura y de inconfundible expresión de nuestra identidad musical que nos distingue como pueblo.

Juan Colón nació en Mao, Valverde, el 18 de diciembre 1948. Sus primeros estudios musicales los recibió de su padre, Daniel Colón, quien fue director de la Banda Municipal de Música durante muchos años. Luego emigró a Santo Domingo, estudió en el Conservatorio Nacional de Música y recibió instrucción a nivel privado de maestros como Manuel Simó y Aura Marina del Rosario. Fue flautista de la Orquesta Sinfónica Nacional.

En Estados Unidos estudió en la Escuela de Jazz Móvil, bajo la dirección de Frank Foster. Realizó estudios privados con los profesores Susan Barna, Mario Rivera, Boby Porcelli, Guillermo Litchz, Bob Berg, Henry Lotzni y José Antonio Molina.

Ha trabajado y grabado con Rafael Solano, Johnny Ventura, Félix del Rosario y los Magos del Ritmo, Papa Molina y la Orquesta San José, Antonio Morel, Guillo Carías, Los Hermanos Rosario, Juan Luis Guerra, Sergio Vargas, Sergio Hernández, Ramón Orlando y la Orquesta Internacional, Cuco Valoy, Milly Quezada, La Gran Manzana, The New York Band y Primitivo Santos, entre otros.

En el plano internacional, Colón ha tocado con Olga Tañón, Giselle, Manny Manuel, Elvis Crespo, Ednita Nazario, Jesica Cristina, José José, Marisela, Miriam Hernández, José Luis Rodríguez, Danny Rivera, Andy Montañez, Tito Puente, Luis Perico Ortiz, Celia Cruz, La India, Brenda K. Star, Domingo Quiñones, Isidro Infante, Ray Santos, Roberto Ledesma, Lucho Gatica, Rocío Dúrcal, Rocío Jurado, Isabel Pantoja, Raphael, Marco Antonio Muñiz, Roberto Yanés, Yolandita Monje y Armando Manzanero, entre otros.
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domingo, 9 de octubre de 2011

MÚSICA Y SOCIEDAD

POR LOS CAMINOS DEL MERENGUE

Nueva obra "Por los caminos del Merengue" de Rafael Chaljub hace llamado a luchar por la preservación del género típico.

El maestro y escritor Rafael Chaljub Mejía presentó su más reciente obra, “Por los caminos del merengue”, en la que hace un llamado a que “se luche por la preservación del merengue típico, porque –según cree- hay sectores de la Sociedad Dominicana que nunca lo han admitido y siempre lo han discriminado".

Aunque el merengue típico se mantiene especialmente en la zona de El Cibao, “donde es fuerte”, Chaljub puso como ejemplo que nunca se ha visto un conjunto típico actuando solo en el Teatro Nacional.

Con esta obra, explicó a ImagenesDominicanas.com, Chaljub busca “narrar la historia del surgimiento, su desarrollo y su afirmación como principal manifestación del folclore musical de nuestro país y el papel que ha jugado”.

Conozca porqué el merengue propicia la longevidad y datos reveladores sobre el merengue "Las Muchachas de Juan Gómez", así como la presencia femenina en el merengue típico.

“El merengue típico es la más auténtica representación de lo que somos los dominicanos”, lo que está plasmados en “sus letras, bailes, manifestaciones libres, espontáneas y democráticas de esta música de la resistencia; en las que se refugió el pueblo cuando le cerraron los salones, la oligarquía santiaguera y clases dominantes”, dijo Rafael Chaljub a ImagenesDominicanas.com

Citó que a la llegada al país de los acordeones y su propagación del instrumento –después del año 1870- comenzó a escribirse una nueva historia del merengue típico.

Al preguntarle sobre su comparación con la música de ahora nos dijo: “Nada de lo de ahora es igual a lo de antes, el ritmo no es el mismo, la cadencia, los motivos, la sociedad y el público tampoco”, pero aclaró que “hay una evolución del merengue, ya es distinto”, aunque aseguró que “muchos han adulterado esa música”.

“Hay algunos que se dicen grupos típicos, que de típicos no tienen más que un acordeonista parado, en medio de muchos instrumentos ajenos a la esencia y con un patrón rítmico que no es el del merengue típico”, expresó el escritor.

Chaljub contó como anécdota, en primicia, el surgimiento del merengue “Las Muchachas de Juan Gómez”, relatada por unos de los hijos de Baudilio Grullón –acordeonista dominicano que nació en 1854 cuando la República apenas tenía 10 años de fundada- y que al pasar por el poblado de Juan Gómez, piropeó una muchacha que machacaba “cañafístola”.

Muchas se rieron de él y tiempo después Baudilio vio a una de esas muchachas llamada Dolores Pérez (Lola), se enamoró de ella y se consiguió a “Lola la de Juan Gómez”; lo que originó las letras del famoso merengue: “me gusta bailar con lola, porque lola baila bueno, ella se deja llevar como caña pa´l ingenio”.

Baudilio murió de 97 años, dejó 53 hijos, quedan 18 vivos y uno de esos, Américo Grullón –que cumplía años al día siguiente- “le regaló un premio con esa revelación” y además estuvo presente en el acto.

Presentación del Libro realizada por Huchi Lora donde explica un descubrimiento trascendental: el merengue propicia la longevidad.

Huchi Lora hace la presentación de la obra

Hace mucho tiempo que Rafael anda por los caminos del merengue. Prácticamente desde su infancia, así que lo caminado es mucho.

Esta nueva obra es una invitación a montamos con él a recorrer esos caminos por el Norte, el Este y el Sur, por lomas y por llanos, por lagunas y barrancas, por ranchos y bohíos, por carreteras y trillos, en fin, por cualquier lugar de costa o tierra adentro donde se interpreta nuestra música.

Como él dice, alboroté las enramadas; estas andanzas no respetan lugares ni tiempos. Por estos caminos, podemos encontrarnos en Santiago en 1878, con las barreras arancelarias que les levantaron a los acordeones alemanes, acusados de alegrar a los pobres, en disonancia con instrumentos tan aristocráticos como el piano y el violín.

Caminando con Rafael podemos llegar a 1915 a compartir con el puertoplateño Vicente Martínez (Minar) y verlo llevar el acordeón y el merengue a Nagua para iniciar una tradición que se mantiene hasta hoy.

O podemos consultar en 1922 a la médica “facuíta" Tillá, de la estirpe de acordeonistas célebres como Nino Tilla y Daniel Santana Guzmán, "El General Larguito", la que curaba cualquier enfermedad o mal de amores.

O ver en Bajabonico a la curandera Balbina González y cantarle: "Dios se lo pague a Balbina/Dios se lo debe pagar;/con la voluntad divina/ella me ayudó a sanar".

Estos caminos del merengue nos conducen a La Penda de La Vega para conocer el posible origen del Juangomero, o a Guanajuma, a ver a Yan de la Rosa cambiar una carga de andullos por un acordeón que inició una distancia merenguera continuada por sus hijos Quin, Lulo y Arsenio de la Rosa.

Acompañando a Rafael en las páginas de su nueva obra podemos toparnos con Lolo Reynoso en los campos de La Vega, o con Isaías Mezquita (Matón) en los trillos de Sabaneta, o con su hijo Ramón Mezquita (Matoncito) en los campos de Nagua, todos desaparecidos hace mucho tiempo.

En Hatillo Palma, puede que Rafael nos presente a Heroína Cruz, la eterna e inalcanzada musa do Ñico Lora, proclamado por él como "el más grande talento merenguero de todos los tiempos, sin duda alguna el padre y precursor de nuestro merengue típico".

Pero igual puede "pecharse" con el prócer Pedro Francisco Bonó y compartir la comparación sociológica de los cultivos de cacao y de café, uno oligárquico y otro popular.

Por los caminos de estas páginas podemos pasar por 1892 para ver el nacimiento de una figura del merengue típico como Juan Bautista Pascasio, o ir más allá, hasta 1861, el año de la Anexión, para venir al mundo merenguero junto con Fuache, alias Francisco Antonio Espinal.

Podemos montar a lomo de un acordeón para pasar por la guerra restauradora contra España o por la resistencia a la invasión de 1916 contra Estados Unidos.

En los caminos del merengue encontramos igualmente la presencia de nuestra principal expresión musical en dos escenarios disimiles, pero ambos muy dominicanos: la iglesia y la gallera. ¡Cuántos merengues dedicados a las festividades religiosas y a la lidia de gallos!

Aquí nos enteramos también de una característica importante del merengue, y es que, muy temprano y en época de mucho machismo, fue vehículo para la igualdad de la mujer. Había líderes femeninas de conjuntos campesinos, como Mercedes Mezquita y Monguita Peralta: "Monguita Peralta/la de Dajabón,/pasó la vigüela/tocando acordeón".

Después hemos conocido la capacidad y el liderazgo de Fefita “La Grande”, María Díaz y La India Canela, entre varias figuras del merengue típico, y como ningún otro género, el merengue ha producido varias agrupaciones femeninas, como las orquestas de Belkis Concepción, Las Chican y las Mandarinas.

Pero igual nos encontramos con historias de guardias de corte machista: "Ei soidao que no baila/ni se abe enamorái,/¿qué se puede eperái de éi/si lo mandan a avanzái?"

En estas páginas hacemos también un descubrimiento trascendental: el merengue propicia la longevidad. Datos biográficos de muchos merengueros nos llevan a esa conclusión. Yan de la Rosa falleció a los 90 y pico, Ñico Lora a los 113, y actualmente tocan el acordeón Antonio Collado, de 104 años y en Mao, Bernardino Guzmán, de 115.

Nuestro Jorge Ferreira con Bernardino Guzmán

El secreto es que el merengue solo tiene alegría. Y no solo es el típico: piensen en Francis Santana, Frank Cruz, Vinicio Franco, Johnny Ventura y Joseíto Mateo, que antes se ponía bravo cuando le decían viejo, pero ahora lo proclama con todo el orgullo que le da el logro de, seguir cantando bien y bailando con la misma gracia.

Hace un año, cuando Joseíto cumplió 90, se me ocurrió escribir lo siguiente, que ojalá alguien lo grabe, porque vale para todos los demás:

El merengue prolonga la vida.
El merengue guarda la salud,
El merengue solo es alegría,
Es la fuente de la juventud.
No me den pastilla
Pa la calentura,
Denme un merenguito
De Johnny Ventura.
No me den pastilla
Ni tisana e jagua,
Tóquenme un pambiche
Dei Ciego de Nagua.


Rafael Chaljub Mejía es un quijote, pero a diferencia del desquiciado personaje de Cervantes, este tiene el buen tino de hacerse acompañar en sus andanzas, no de un escudero como Sancho Panza, sino de su mismísima Dulcinea.

Tiene sueños, como el caballero andante de La Mancha, pero también exhibe obras concretas como esta joya que nos entrega hoy para el mejor conocimiento y entendimiento de nuestra principal expresión musical popular: Por los Caminos del Merengue.

Huchi Lora
Santo Domingo, 29 de septiembre de 2011


Tomado de Imágenes Dominicanas.
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miércoles, 27 de julio de 2011

GRUPO PALETTE INTERPRETA A PAQUITO D'RIVERA


Darleny González (CLARINETE), Alaima González (FLAUTA), Milena Zivkovic (CELLO), Laura Pimentel Ferreira (PIANO)

Hola Isaías: espero que estés recuperándote de la reciente cirugía.

He querido enviarte algo que sé que te gustará tanto para tu consumo como para los MECCianos, es el cuarteto PALETTE formado por cuatro muchachas, la Chelista es Serbia es la primera en ese instrumento en la sinfónica OSN, la flautista es cubana, tiene el chequendengue de los caribeños, la clarinetista es dominicana y la pianista es tu prima Laura, todas forman parte de la OSN, ese vídeo alguien lo envió a Brasil y ha gustado mucho, veamos que ocurre con los latinos en nuestra página. Que te sanes, y que la emoción de esta interpretación ayude a tu más rápida recuperación.

Te quiere tu prima Narcy
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miércoles, 1 de junio de 2011

NUESTROS ARTISTAS: LAURA PIMENTEL FERREIRA

SUEÑO DE PALMERA, CRIOLLA.
Por Laura Pimentel Ferreira


Sueño de Palmera, es una Criolla de Laura Pimentel Ferreira. Ella compuso las letras, la música, e hizo el arreglo musical y la armonización de las voces. Su estreno mundial fue el día 3 de marzo de 2011, en el Palacio de Bellas Artes, en Santo Domingo. Fue interpretada por alrededor de 84 voces que conforman el Coro Nacional, del cual Laura es instructora de voces de las contraltos.

Laura es hija del gran pianista Leo Pimentel y de la artista maeña Narcisa Ferreira. A continuación las letras de SUEÑO DE PALMERA.

“SUEÑO DE PALMERA”
Criolla

En un atardecer de contadas horas,
De un horizonte, amplio como el mar.
Se escuchó la brisa, de lento pasar,
Que arrulló las hojas, del bello palmar.

Y en ese atardecer de lánguidas sombras,
Acompañadas del rumor del mar.
Un poema sonoro, en forma de vals,
Embrujó el paisaje, e invitó a soñar.

Una gaviota blanca, volaba por la playa
Y vió a la palmera triste, que no podía bailar.
Observaba tranquila, toda la espuma blanca,
Que sólo a su silueta, lograba salpicar.

En ese atardecer, de olas serenas,
Tejidas con encajes de sal.
Una joven descalza apareció y sobre arena blanca se paseó,
Y con su falda mojada un vals tropical bailó.

Las olas serenas, vienen y van
Dejando a la palmera con suave sabor a mar.
La luna se duerme, la noche se va,
El sol despierta, sus rayos le da.
La palma espera un nuevo atardecer,
Deseando en las arenas huellas poder ver.
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lunes, 13 de septiembre de 2010

JANINA ROSADO

En una profesión dominada por hombres, la presencia de Janina es como una bocanada de aire fresco. ¡Qué igualdad de oportunidades, ni que ocho cuartos! Janina compite en cualquier terreno de tú a tú con los mejores pianistas y a muchos les puede dar "gabela".


DO-RE-MI
Por Juan Colón

Nacida en Santiago Rodríguez. Hija de Don Juan Rosado y doña Celita, como la llamaban cariñosamente sus vecinos y compueblanos. Su padre fue uno de los más grandes educadores musicales del país. Grandes músicos recibieron sus enseñanzas. De su mano adquirió Janina sus primeros conocimientos musicales. Su trayectoria musical la hizo realidad en la ciudad Capital, trabajando con numerosas agrupaciones musicales, Johnny Ventura entre ellas.

Ha sido la única mujer en la historia de nuestra música popular que logró un desarrollo profesional convirtiéndose en figura de mucho relieve, entrando al difícil mundo de la competencia entre grandes pianistas del momento. Todavía dentro del renglón de la música popular nuestra no existe una pianista de sus condiciones.

Directora musical del Hotel Jaragua por varios años, donde suplía las agrupaciones musicales que tocaban en el hotel con sus arreglos y transcripciones musicales.

Luego entra a formar parte de la Orquesta de Juan Luís Guerra donde ocupa en la actualidad el cargo de directora de la banda. También del Coro de la Iglesia de Juan Luís.

Dotada de gran versatilidad y un gran talento. Toca casi todos los géneros musicales con gran destreza y belleza. Una pianista llena de mucho sentimiento. Espero algún día verla con su propio álbum donde deje su legado como extraordinaria artista que es.

Tiene un estudio de grabación donde hace sus trabajos para otros artistas.

Excelente músico dotada de una gran delicadeza al tocar y que hace todo con gran amor.

Me siento privilegiado que haya tocado, de manera desinteresada y con todo su amor, varios temas de mi producción Nuestro Merengue.

Todo mi respeto y eterna admiración para Janina, una “musicasa” nuestra que nos enorgullece.

Me honra sobremanera su amistad.

(En el video adjunto se puede apreciar la presencia de la maestra Janina Rosado al piano).
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jueves, 19 de agosto de 2010

CRISPÍN FERNÁNDEZ MINAYA

Crispín tiene un talento increíble para llevar lo sencillo a sonar grandioso y a su persona no dejarla encumbrarse con arrogancia, sino mantener la sencillez de lo humano sobre todo.

DO-RE-MI
Por Juan Colón

Grabar un jaleo de merengue parece y suena fácil porque se siente jocoso, divertido y nos imaginamos que cualquiera puede tocarlo bien.

Este gran saxofonista nuestro tiene un gran talento que ha logrado desarrollar y con ello sentar un precedente. Es al mismo tiempo una escuela viviente para las futuras generaciones.

Donde quiera que se toque merengue, el nombre de este genial saxofonista es considerado como número uno por los grandes méritos desarrollados. Nadie domina el arte de tocar un jaleo con tantos ingredientes acumulados por un gran proceso de años de estudio y una gran tenacidad para lograr lo buscado y una formidable capacidad de amar sus raíces.

Crispín Fernández Minaya, es el nombre por excelencia para grabar un merengue por lo que todos lo aceptamos y le brindamos nuestro mayor grado de respeto.

Nació en Villa Vásquez el 20 de Enero del 1946, emigrando a la Capital a los 15 años.

El rey del jaleo

El más simple jaleo interpretado por Crispín es un estudio para cualquier saxofonista. No solo por las notas que toca. Sino por todo lo que implica grabar algo profesionalmente: Técnica impecable, tempo genial, swing súper hermoso, sonido brillante propio para merengue, dinámica exacta donde debe ir, y una precisión del más alto nivel que se pueda requerir.

Las condiciones desarrolladas por Crispín merecieron ser la guía de toda una generación y casi la siguiente. Todos de una forma u otra fuimos influenciados por su estilo y copiamos su forma.

Algunos productores musicales llegaron a extremos de exigirle a cualquier saxofonista que tocara como él, de lo contrario no te querían aceptar.

Su hazaña está plasmada en decenas de grabaciones, todas con las más exigentes características.

Por mucho tiempo fue músico asimilado de la Banda de la Policía Nacional donde tuvo como su gran mentor a Tavito Vásquez, el cual fue su gran motor, su bujía inspiradora para emprender el desarrollo de su enorme y hermosa trayectoria.

Sus sueños quedaron plasmados con la permanencia de estar al lado de su gran maestro y consejero amigo.

También fue flautista de la Orquesta Sinfónica y más tarde maestro de saxofón del Conservatorio Nacional de Música.

En el extranjero

Crispín decidió emigrar a los Estados Unidos para empezar su dura tarea de convertirse en un músico de gran magnitud para emplear sus conocimientos en el merengue.

Durante su estadía en New York trabaja con Mario Bauzá (músico cubano de buena formación por el que todos anhelábamos pasar), Tito Puente; también estudió Flauta con el profesor ruso Henry Lotzni y armonía, y técnica del saxofón con Mario Rivera.

En el transcurso de su tiempo fuera del país trabajó con el Conjunto Quisqueya, Primitivo Santos, y en Santo Domingo con Johnny Ventura, Papa Molina y varios más.

El gran arquitecto

Cuando empieza la etapa del merengue romántico, Crispín, por su capacidad se convierte en la persona adecuada para grabar en los estudios en el menor tiempo posible con una calidad incuestionable. Algo de mucho valor para los disqueros y productores musicales.

Sin saberlo, comienza una revolución en la forma de cómo interpretar un jaleo con nuevo estilo, nuevo sonido, expresión, dinamismo, tempo, limpieza, y un swing considerado insuperable.

Empieza Crispín a convertirse en el arquitecto ideal para todas las grabaciones y el sonido ideal que todos los saxofonistas debían tener si les interesaba grabar merengue.

Durante unos veinte y cinco años fue modelo indiscutible de cómo se toca un jaleo. Desde los primeros discos de Juan Luis, Alex Bueno, Sergio Vargas, Ramón Orlando y su Orq. Internacional y un sinnúmero de artistas.

Podemos decir, sin temor a equivocarnos, que Crispín es responsable de un 80% de todo el merengue que se grabara entre el 1981 y el 2002.

Si escuchan con detenimiento las grabaciones de todos esos años, tendrán el placer de escuchar el excelente concepto interpretativo que impregnó en su forma, convirtiéndolo en una escuela viviente y hasta la fecha, 2010, es considerado una verdadera autoridad en el difícil arte de grabar un jaleo de merengue.

Grande entre los grandes

Dentro del mundo del merengue hemos tenido varios colosos: Tavito Vásquez, un genial solista de merengue; Félix del Rosario, Sócrates de León (Choco) y Crispín Fernández, el más genial saxofonista de estudio. Su formación técnica le permitió el desarrollo de la tranquilidad y swing para interpretarlo todo. No importa que tan difícil sea el jaleo, interpretado por él, suena simple.

Un orgullo para nuestra región, y nuestro país tener un músico de tan extraordinarias dimensiones.

Crispín Fernández leyenda de nuestra música que nos ha honrado con su enorme talento, con su sencillez, con su apertura para cualquiera que desee su ayuda. Extraordinario músico nuestro que abrazó en cuerpo y alma el merengue, dejando a un lado sus aspiraciones a otros géneros.

Ha escrito dos libros de jaleos de merengue y grabado tres Cd’s con su grupo LICUADO, una mezcla de merengue-jazz. Se lo recomiendo por ser un trabajo excelente.

El amigo, el activista

Luchador incansable buscando mejores condiciones de trabajo, de respeto, llegando en muchas ocasiones a ser sacado de los estudios de grabaciones, pero por su monstruosa capacidad y falta de alguien con sus condiciones hacía que volvieran a buscarlo para los trabajos. Logró elevar el precio de las grabaciones, luchando solo en un principio. Luego otros músicos lograron seguirlo y también empezaron a exigir mejores condiciones.

Somos amigos desde los años mozos cuando tocábamos en combos de los pueblos y en algunos de Santiago y la Capital. Es mi gran ídolo (no por edad, pues somos casi de la misma); en incontables ocasiones lo he llamado desde NY para manifestarle mi alegría cuando escucho una interpretación suya. Creo ser su más fiel fanático. Adoro su genialidad interpretativa.

Crispín tiene un talento increíble para llevar lo sencillo a sonar grandioso y a su persona no dejarla encumbrarse con arrogancia, sino mantener la sencillez de lo humano sobre todo.

Mi respeto a este genial músico nuestro el cual me honra sobremanera con su amistad y tenerlo como mi ídolo y gran maestro en el arte de tocar un jaleo.

Mi admiración eterna a mi gran hermano Crispín; un abrazo fraternal.
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lunes, 28 de junio de 2010

Patricio Bonilla, hijo

Creo que podemos decir orgullosos que nuestro pueblo tiene uno de los mejores trombonistas de toda la historia de nuestro país.

DO-RE-MI
Por Juan Colón

Patricio es un joven nacido y criado en Mao. Sus padres Patricio Bonilla y Mercedes Ventura (Mecho), fueron los responsables de la carrera de este gran talento nuestro.

Su abuelo… Chicho Bonilla, tocaba Bombo y tambora en la banda de música, teniendo una gran peculiaridad: a gran velocidad cambiaba el palito de una mano a otra y tocaba entonces a la zurda con el mismo sentimiento… un percusionista nato, lo llevaba en el alma. Su padre, Patricio, era excelente Bombardino y güirero; tocábamos en el combo de Lucero y sus Estrellas.

Es decir, el joven heredó una gran dosis de talento tanto de su abuelo como de su padre…

Patricio estudió en El Centro de Cultura de Santiago donde adquirió una sólida preparación, con todos los ingredientes que se exigen en los USA para prepararse musical y académicamente.

Conocedor profundo de la técnica que se requiere para conocer un instrumento, en especial el Trombón, que es uno de los más difíciles para tocar bien. Ante todo, por sus intrincadas posiciones y problemas de afinación. Estas dos condiciones son vitales para el desarrollo de un instrumentista y Patricio ha logrado a una corta edad una gran concentración de conocimientos.

Tiene una capacidad de oído tremenda, podíamos decir que tiene un “Perfect Pitch/Oído Perfecto”, esto significa que tiene la capacidad de identificar cualquier sonido al instante.

Su lectura musical es admirable; es lo que se conoce como “Lector a Primera Vista/First Sight Reader”, el tener esta cualidad le permite tocar con el menor índice de error, ya que puede leer tres y/o cuatro compases por adelantado.

Ha trabajado con los mejores productores musicales del país... también ha participado en innumerables grabaciones.

Patricio se ha formado sobre una plataforma completa. Veamos por qué. Conoce el Teclado, Armonía, tanto Clásica como de jazz, Orquestación, Arreglos, Estudios del Sonido, Técnica, Improvisación, Conceptos musicales (lo que significa saber tocar géneros, jazz, clásico, merengue, salsa). Todo logrado a una edad asombrosa.

Sus grandes habilidades como improvisador son excelentes. Sin lugar a dudas tenemos uno de los mejores músicos populares de nuestro país. En su instrumento lo considero Una Estrella.

Apenas he tenido el privilegio de compartir dos veces Tarima con él y en esos momentos pude observar las grandes cualidades que posee y apreciar su enorme potencial. Es un gran talento nuestro. Creo que podemos decir orgullosos que nuestro pueblo tiene uno de los mejores trombonistas de toda la historia de nuestro país.

El gran problema de Patricio y de otros muchachos jóvenes, con enorme talento, es la degeneración musical que hemos tenido en RD, ambiente en el que poco importa la capacidad del músico. Tampoco es importante usar esos grandes talentos para enriquecer la música, pues cualquier cosa va.

Esos problemas obligan al músico a buscar otras opciones, y una de ellas es emigrar; entonces ahí viene el gran problema: en la búsqueda de superación empiezan a desvanecerse los sueños porque la lucha por la sobrevivencia los obliga a tener que trabajar fuera de la música y eso le quita tiempo para el estudio.

Otra cosa: el superávit de músicos buenos en USA hace la competencia mucho más recia de lo que se pueda imaginar.

Solo cuando logras crear un estilo, y una compañía que te apoye se puede lograr la penetración, de lo contrario muere todo en el intento. Lamentablemente, no tenemos casas disqueras que penetren los medios internacionales; sólo venden discos entre la población Dominicana en el exterior y ésta no compra discos de carácter instrumental.

Pero no quiero terminar con una nota pesimista. Ojalá y la decadencia que experimentamos se desvanezca y el terreno se haga más fértil para que talentos como Patricio Bonilla, hijo, lleguen a ser todo lo que quieran ser, sin tener que abandonar su patria.
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sábado, 12 de junio de 2010

Estreno de composición de Juan Colón

El viernes 11 de junio de 2010 fue estrenada en el Teatro Pregones del Bronx, New York, la composición "The Parsley Massacre" (La masacre del perejil) del talentoso músico maeño, Juan Colón. La pieza fue inspirada por la masacre de haitianos ordenada por el dictador Rafael Leónidas Trujillo Molina, en 1937. Con esta composicion, Juan, siempre estudioso y dispuesto a derrumbar nuevas barreras, incursiona en nuevo territorio en su larga y brillante carrera musical. A continuación el "volante" de invitación a la premiere, seguido por el texto que lo acompañó (en inglés), y una traducción del mismo.



The Multicultural Music Group promotes social justice projects through music commissions created to depict, to resemble or to illustrate a historical event in a particular culture. Juan Colon, a renowned instrumentalist and composer of Dominican origin, will be presenting an original musical composition inspired by the unfortunate events that occurred in the Dominican Republic in 1937.

The presentation is composed of two parts: the panel discussion and the concert presentation of the commissioned work. Author Michelle Wucker, Professor Edward Paulino and Dr. Carolle Charles will be participating in the panel discussion moderated by Dr. Luis Mojica.

This presentation will feature The MMG Orchestra together with the Bronx Arts Ensemble performing the world premiere of “The Parsley Massacre”, composed by Juan Colon and conducted by Luis Columna. There will also be a performance by the MMG Youth Orchestra.

Reception to follow.

Versión en español de la invitación

El Multicultural Music Group (Grupo de Música Multicultural) promueve proyectos de justicia social a través de la comisión de música creada para representar, recrear o ilustrar eventos históricos de una cultura en particular. Juan Colón, un renombrado instrumentalista y compositor de origen dominicano, estará presentando una composición musical original inspirada por los eventos desafortunados ocurridos en la República Dominicana en 1937.

La presentación está compuesta de dos partes: el panel de discusión y la presentación en concierto del trabajo comisionado. La autora Michelle Wucker, el profesor Edward Paulino y la Dra. Carolle Charles participarán en el panel de discusión el cual será moderado por el Dr. Luis Mojica.

Esta presentación contará con la actuación de The MMG Orchestra (La orquesta MMG) la que agrupada con el Bronx Arts Ensemble (Conjunto de Arte del BronX) interpretará el estreno mundial de “La masacre del perejil”, compuesta por Juan Colón y conducida por Luis Columna. También participará la MMG Youth Orchestra (Orquesta Juvenil de la MMG).

Una recepción seguirá a la presentación.

Multicultural Music
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miércoles, 28 de abril de 2010

CLETO OCTAVIO (TAVITO) VÁSQUEZ (*)


DO-RE-MI
Por Juan Colón

ACLARACION DE RIGOR: Muchos me han acusado de “azucarar” a los personajes sobre los que escribo tapando con ello sus vidas desorganizadas y presentándolos casi como santos. Bien. Estoy muy consciente de todo lo que se dice y ha dicho de los “defectos” de este u otro personaje sobre el que he escrito o escribo. Pero, primero: nadie es perfecto. Segundo: ¿para qué recalcar lo “malo”, si ya se conoce? Mejor aún: ¿no es más valioso el hecho de que los logros que celebramos provengan de un ser imperfecto? Tercero: Cada quien su cruz y lo menos que debo sospechar es que así como mis errores aguijonean mi conciencia, así lo hagan con mis protagonistas. Cuarto: ¿no sería pretencioso, peor aún, irresponsable, y hasta cobarde, de mi parte juzgar a otro ser humano y utilizar de forma indebida este foro privilegiado del que dispongo para hacer trizas a un semejante? Don Pedro Henríquez Ureña decía algo más o menos así: siempre saca a relucir lo mejor de cada quien; lo malo no necesita presentación. Mis héroes no son perfectos, pero hicieron el máximo con los recursos que tenían, en el medio estrecho en que se desenvolvían, que es más que lo que se puede decir de la mayoría de muchos de nosotros.

Este extraordinario músico nació en la ciudad de Santiago de los Caballeros en el año 1928 y murió en la ciudad de Santo Domingo el dia 26 de enero del año 1995.

Viene de una familia eminentemente musical entre quienes se cuentan su padre Miguel Angel Vásquez y sus hermanos y tios. Sus primeros conocimientos los recibe de su padre, a los ocho años; a los doce ingresa a la banda de música del municipio de Santiago tocando clarinete para luego pasar al saxofón donde desarrolla su virtuosismo.

Entra a formar parte de todos los acontecimientos musicales de la ciudad y de esa forma comienza su vertiginosa carrera, la que estuvo llena de sorpresas por haberse dedicado de lleno al desarrollo de la improvisación dentro del merengue.
Fue músico de las principales orquestas de la época: Orq. Marvavilla, Orq. Liras del Yaque y la de Los Hermanos Vásquez. Es en el mundo de los grupos de música típica donde su carrera causa impacto dentro de los músicos y su crecimiento se hizo indetenible.

Se traslada a la ciudad capital y al poco tiempo pasa a formar parte del personal artístico de la Voz Dominicana en la orquesta de planta como saxofonista. Al mismo tiempo se incorpora en un programa radial de música Típica con el Conjunto Alma Criolla donde se hace famoso por sus grandes interpretaciones causando esto que todos los artistas de la época sintieran el deseo de incorporar las interpretaciones de este genial músico en sus grabaciones.

La presencia de Tavito Vásquez en el merengue produce un aumento en la velocidad del mismo; esto produjo un cambio en la forma de tocar y estableció una nueva forma en el papel del saxofón dentro del merengue. Quizás sin proponérselo fue el único responsable de causar una verdadera revolución musical que produjo sus frutos en todos los instrumentistas.


A partir de ese momento los músicos se vieron precisados al uso de la improvisación y a desarrollar ese concepto dentro del merengue el cual no había sido usado en gran escala por los instrumentistas de nuestra música. Si bien algunos lo intentaron otros antes que él, estos no tuvieron las condiciones excepcionales como improvisadores.

Trabajó como músico exclusivo de la Voz Dominicana por muchos años junto a destacadas figuras del arte nacional e internacional logrando alcanzar gran notoriedad por sus virtuosas interpretaciones en el instrumento que dominaba como pocos.

Participó como acompañante en las grabaciones de los mejores cantantes y conjuntos destacados del país: Joseito Mateo, Ñiñí y Elenita Santos, Luis Vásquez, Luis Kalaf, Trio Reynoso, Conjunto Alma Criolla, Vinicio Franco, Rafelito Román, Ramón Garcia y su Conjunto Típico Cibao, Orquesta José Reyes; fue saxofonista de la Orquesta Angelita terminando luego como su director musical.

Tavito tuvo mucha influencia del gran saxofonista norteamericano Charlie Parker a quien escuchaba a través de los programas radiales que se producían en la ciudad capital. Ha sido calificado por muchos músicos extranjeros como Paquito D’Rivera, Gato Barbieri, Mario Rivera (dominicano), y los más notables músicos nuestros, como un verdadero virtuoso; capaz de jugar con el tiempo, con las melodías, tocando frases hermosísimas en diferentes lugares sin perder su alto contenido rítmico, y por ser al mismo tiempo el pionero en darle carácter profesional dentro del merengue al concepto de la improvisación y de servir como bujía de inspiración para todo aquel que sintiera el deseo de lograr tocar el saxofón.

Al mismo tiempo de ser motivo de inspiración también lo era de frustración porque las cosas que tocaba sonaban fáciles y cuando queríamos reproducirlas nos dábamos cuenta la complejidad de lo que aparentaba ser fácil, característica de los genios como él.

El gran nombre de este gigante musical lamentablemente sólo fue escasamente local. Muchos músicos, por mezquindad o envidia, nunca tuvieron el valor de aceptar públicamente y reconocer que en el maestro teníamos un verdadero virtuoso en todo el sentido de la palabra.

Logró un desarrollo técnico con el instrumento que pudo eliminar las clásicas barreras de tonalidades que tenemos, no le importaba cuántos sostenidos (#) y/o bemoles (b) tuviera la canción, todo lo que pensaba podía llevarlo con extrema facilidad al instrumento.Este es uno de los problemas más graves que pueda enfrentar cualquier instrumentista sin importar el género que interprete.

He trabajado con innumerables músicos nuestros de extraordinario talento pero ninguno con las condiciones excepcionales que tenía este grandioso músico.

Sufrió muchas desilusiones de sus propios compañeros. Nunca fue considerado como figura prominente de respeto dentro de nuestra música; se usaba su figura para darle profesionalidad a determinado programa, radial o televisado; estaba bien consciente de que cualquier programa que quisiera captar audiencia musical solo tenía que tenerlo como invitado especial.

No era un hombre dado a la publicidad, tampoco usaba los medios para que se le pusiera en las páginas de los diferentes diarios del país.

Creía fielmente en su deber como músico, estaba consciente de cuál era su misión y el precio de ingratitud con que le pagaríamos.

Nunca tuvo secretos para todo el que quería preguntarle algo, él sabía que tenía condiciones especiales, lo habíamos hablado en muchas ocasiones, pero lo que hacía admirable a este virtuoso era su humildad, nunca nos miró por encima del hombro, siempre tenía un consejo listo para dar, una exhortación, una tarea, un estímulo.

Estaba seguro de la maldad del hombre y del nivel del ego de quienes lo rodeaban. Sabía que nunca iba a ser aceptado dentro de la sociedad, eran tiempos muy difíciles donde el color y el estatus familiar jugaban un papel preponderante en toda nuestra sociedad. En la nuestra siempre hemos tenido un racismo oculto, el cual lo negamos y como negación tampoco lo admitimos.

Durante muchos años traté de descifrar dentro de mí los sentimientos que me producía la presencia del maestro y de saber que siempre tuvo un momento para mí; el respeto especial que me inspiraba era algo más profundo que el que normalmente existe entre maestro y alumno, era algo que estaba por encima de todos los obstáculos. Él se empeñaba en dar lo mejor de sí, y esto lo hacía un gigante.

Una vez me dijo, que cuando a una música folklórica se le cambia su patrón rítmico esta tenía por ley que desaparecer, y después de un corto silencio agregó: “mire Juan, si al merengue se le cambia su patrón rítmico, éste va a desaparecer”. Lo comenzamos a ver con el llamado cambio de “A lo Maco”, el cual no es nada nuevo, es producto de un ritmo nuestro que murió hace muchos años. Lamentablemente, somos un pueblo con muy poca memoria y por dinero hacemos lo imposible por lograr que lo negro parezca blanco.

Recuerdo en nuestra última conversación la cual tuvo lugar más o menos seis meses antes de su muerte; me dijo: “maetríco, usted no volverá a verme tocar de nuevo; aprovécheme ahora”. Le dije: “¡qué va maestro; tendremos al Maestro Tavito por muchos años!”. A lo que me respondió: “no, no… ya estoy terminando… me tengo que ir… el Señor me está llamando; y usted sabe, maetríco, cuando el hombre es llamado de allá arriba… uhhhh… hay que irse. Me voy contento porque quiero morir tocando”. Así murió el maestro.

Más que musical, que no es pequeño, el legado que nos dejó como ser humano es de tanto valor como el musical. Sólo quería vivir en paz con él y en paz con Dios; anhelo típico de los grandes hombres. Aquí cabe una frase del gran científico Albert Einstein la cual dice así: “Intenta no ser un hombre de éxito; intenta ser un hombre de valía”, esta frase se la dedico al maestro por haber luchado de esa manera y con su ejemplo habernos demostrado que ser famoso no era la prioridad de su vida: era enmendarse a sí mismo para ser un hombre de valor ante Dios y los suyos.

Es más que un honor para mí haber transcripto algunos de los solos de este genial músico el cual llevó con honra el sello de ser considerado merenguero: fue un verdadero merenguero hasta la tambora, sin lugar a dudas.

Su música llevada al pentagrama es el mayor legado que pueda dejarle a su propia música.

Tavito, Alma y Espíritu con sabor a Melao, que supo dejar a un lado la gloria de la fama y el glamor para ser el Alma viviente de nuestra música, el merengue.

Extraordinario músico que expresó con su instrumento las inmensidades de nuestra música y que moría lentamente cada vez que escuchaba algo que se le llamara merengue sin serlo. Era muy celoso con su música, consideraba que si perdíamos la tambora perderíamos la identidad de nuestra música delante de nosotros y a los ojos del mundo.

La inmensidad de sus solos abarca casi tres generaciones. Hoy día, no hay un saxofonista con la destreza para seguir la obra de este coloso nuestro del saxofón. Sólo en la música típica se alcanzan a ver algunos intérpretes con buenas ideas acerca de la improvisación dentro del merengue típico. En el merengue de orquesta murió con la muerte de Tavito Vásquez.

En paz descanse maestro y amigo.

(*) El autor grabó junto a Manuel Tejada un homenaje a Tavito. Con el alma de Tavito es el título, disponible en amazon.com
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viernes, 2 de abril de 2010

MI PASIÓN POR EL BOLERO

El Dr. Héctor Brea Tió, ese inquieto e incansable hijo de Mao, ha publicado cinco libros, entre ellos el muy citado y valioso Mao y sus gentes.

El fruto de su esfuerzo más reciente, La Magia del Bolero, es una obra que el autor dice “es de amor”, porque está construida con las vivencias de sus años formativos, en los que el bolero, música con la que creció, se convirtió, quizás sin tener él conciencia de ello, en un referente de cada momento de su vida.

Es muy posible que por haber sido el bolero tan preponderante en esos tiempos, las exposiciones del Dr. Brea Tió encuentren eco entre todos quienes vivimos aquella época en que las letras quejumbrosas del bolero nos hicieron vibrar de emoción, tallando con cada estrofa surcos imperecederos en el alma por los que se desliza hoy la nostalgia que nos aguijonea con insistencia para que nos dejemos llevar a ese mundo mágico que el correr de los años, con sus repetidas filtraciones idealizadas, ha logrado despojar de dolor y amarguras y ha hecho puro.

Si tiene usted depósitos en la cuenta de los bohemios, o simplemente es un admirador o admiradora de la buena música, La Magia del Bolero es una obra que usted debe leer. Su importancia radica no sólo en que recopila con acierto en un volumen la historia, el perfil de los artistas más destacados de aquella época, y las letras de las canciones más representativas del bolero, sino que con la aridez que existe hoy en el panorama musical, en que domina el desdén por lo que no sea chabacano, lo cual es una traba para la creación y resta incentivos para atraer cultores del género, que moribundo agoniza y se mantiene vivo sólo por la actividad de los entusiastas que, como el Dr. Brea Tió, insisten en no dejarlo morir, éste podría ser uno de los últimos testimonios de un testigo ocular de la época gloriosa del bolero.

Para “mojarle el pico”, como decimos, a continuación presentamos un fragmento del primer capítulo de La Magia del Bolero en el que Brea Tió nos habla de los acontecimientos y situaciones que hicieron nacer y crecer en él la pasión por el bolero. Esperamos lo disfrute.

La Magia del Bolero fue publicado por la editora Búho en septiembre de 2007 y consta de 420 páginas.

Isaías Ferreira Medina

Mi pasión por el bolero
Por Dr. Héctor Brea Tió

Ambiente cultural y musical de mi pueblo natal (Mao)

He querido plasmar en este trabajo de compilación e investigación musical, mi ancestral pasión por todo lo romántico y sensual, principalmente el bolero, esa joya de la cultura latina que me viene acompañando desde la infancia, como a otros habitantes de cualquier país latinoamericano, a los que este género ha alegrado varias décadas de sus vidas, principalmente alrededor y después de la segunda mitad del siglo XX.

En esta breve alusión histórica debo citar que en mi pueblo de Mao, en los años 1898-1902, se cantaban villancicos de la autoría de su párroco, el Rev. Padre Manuel de Jesús González, tío del famoso músico, el maestro Luis Rivera González, esposo de la “Soberana” Casandra Damirón; y de Manuel Rueda González, prestigioso músico montecristeño y Premio Nacional de Literatura. Ambos se iniciaron como músicos en la Línea Noroeste.

En los años de 1940, en el hogar de mis padres siempre se habló del Samoa Bar, “la Meca del Bolero” en el noroeste, cuyo nombre le fue puesto por Marina Tió Brea, autora de la letra del famoso “El 19”, con música del maestro y pianista también maeño, Radhamés Reyes Alfáu y que es interpretado por Alberto Beltrán y la Sonora Matancera, de Cuba, el cual fue inspirado por la exquisita mujer Casilda Reyes Gómez, a la sazón toda candor. En dicho Bar conocimos a cantantes famosos como: Libertad Lamarque, Marco Antonio Muñiz, Dúo Los Compadres, María Luisa Landín, el Indio Araucano, Fernando Valadez, Lope Balaguer, Niní Cáffaro y otros.

También en esos años despuntaba en mi lar nativo uno de los principales barítonos que ha conocido la música clásica dominicana, Guarionex Aquino Reyes, quien estudio canto y debutó en Santiago de los Caballeros, luego en la Voz del Yuna”, de Bonao, y más tarde en la Voz Dominicana de Santo domingo, en donde fue profesor de canto.

En nuestros pueblos municipios y provincias, siempre ha habido bares de buena y mala reputación, o cafetines, donde nunca faltó el elemento común, la vellonera, en la cual poníamos los discos que empezamos a escuchar entonados por nuestros padres o abuelos. Estos los habían incorporado a su acervo musical, ya fuera para evocar situaciones amorosas, o despechos y desamores; o por el mero hecho de ser escuchadas en horas en que la familia estaba reunida en torno a un radiorreceptor, difundiendo boleros en programas que duraban desde 1 hora, hasta 12 a 24 horas.

Como sucedía en Santiago, desde donde se transmitían programas en las décadas 50-60, tanto en Ondas del Yaque, como en La Voz de la Hispaniola y Radiolandia; en La Vega, Radio Santa María, que marcaron sus huellas en los muchachos de mi generación. Además, recordemos que en el Cibao se escuchaban como locales, emisoras cubanas, venezolanas y puertorriqueñas que producían ese tipo de programas.

Asimismo sucedía en Santo Domingo, teniendo como ejemplo el programa “Cien Canciones y un Millón de Recuerdos”, el cual se transmitía todas las noches por Radio Popular, de 8:00 PM a 12:00 de la medianoche. Igualmente escuchamos todos los sábados “La Discoteca Vieja”, por Radio Mil, de 8:00 AM a 12:00 del mediodía, cuyos locutores son actualmente: Carlos Álvarez, Mariano Álvarez, Alcy de la Rosa, Ramón Henríquez, Frank Sánchez, Raúl Leonardo y Carlos Eduardo Brazobán. Todos los domingos, por la misma emisora, se produce el programa de boleros “Concierto musical del ayer”, de 8:00 AM a 11:00 PM, alternándose los locutores antes citados.

También son escuchadas otras emisoras de Santo Domingo, que vienen produciendo programas de boleros como son: Radio Millón, y actualmente la emisora Raíces, de la Fundación Eduardo León Jimenes, entre cuyos locutores se encuentran Arístides Incháustegui, Rodolfo Espinal y Felipe Gil. Otro programa radial fue “De Fiesta con el Recuerdo”, cuyo productor fue el afamado maestro de la locución dominicana, Jesús Torres Tejeda, transmitido desde Radio Clarín, todos los domingos de 8:00 AM a 11:00 PM. Otros programas eran “Sábado Viejo”, por Onda Musical, cuyo locutor principal fue Alberto Tamárez; y “Serenata Continental”, a través de Radio Continental. Actualmente se produce un excelente programa de boleros a través de HIZ Broadcasting Nacional, cuyo locutor es Pablo Marcel y en la 107.7 también hay programas de dicho género.

En lo personal, debo evocar nuestra participación en veladas escolares en las cuales teníamos que entonar canciones a la patria, como eran los himnos a la bandera, a Duarte, Sánchez, Mella, las madres, la escuela, todos ellos incluidos en el libro “La patria en mi canción” del maestro y poeta Ramón Emilio Jiménez, segundo Inspector de Educación en Mao, quien fue autor de versos que han sido musicalizados. El poeta estuvo casado con la distinguida dama Estela Reyes Tineo.

Además, debo citar la gran influencia que sobre mi pasión por el bolero ejercieron mis tíos: Antonio Brea y Pura Gil, quienes tenían una rica discoteca familiar.

En mi lar nativo, sus dos emisoras, Radio Santa Cruz y radio Mao, producían programas de boleros en los que no faltaban intérpretes como Marco Antonio Muñiz, Lucho Gatica, Fernando Álvarez, Vicentico Valdez, Toña la Negra, María Luisa Landín, Virginia López, Roberto Ledesma, Roberto Yanés, Gilberto Monroig, Néstor Savarce, Fernando Valadez, Bienvenido Granda, Leo Marini, Libertad Lamarque, el Indio Araucano, Orlando Contreras, Daniel Riolobos, Genaro Salinas, Raúl Marrero, Olimpo Cárdenas, Lope Balaguer, Elenita Santos, Odilio González, Alberto Beltrán, Guarionex Aquino, Alfredo Sadel, los tangos de Carlos Gardel, y otros, que eran anunciados por los locutores: Roberto Rodríguez, German de Moya, Fernando Rodríguez, Evelio Martínez, Nelson Reyes, Robert Pérez, Roberto Tineo, Quico Tejada, Crisóstomo Duran (Coqui), Gabriel Peña, Rafael Peralta, y más recientemente, Sergio García Diloné, Manuel Comas, José Miguel Rodríguez, Miguel de Jesús y algunos más.

Es preciso hacer notar, por las experiencias de primera mano que me prodigó, que en esos años empezó a descollar como el gran anfitrión de los artistas que visitaban mi pueblo, y luego en Santo Domingo, el señor Rafelito Marrero Brea, quien recibió visitas de Libertad Lamarque, Marco Antonio Muñiz, Olga Guillot, Maria Antonieta Ronzino, Los Compadres, en nuestro clásico Samoa Bar. Luego, residiendo en Santo Domingo, Miami y Boston fue anfitrión de figuras como Gonzalo de Palacios, Sarita Montiel, Lupita Ferrer, etc. Cabe destacar que el Sr. Marrero Brea ha recibido numerosos premios donde ha residido incluyendo las llaves del Condado de Miami y Dade, en honor a sus libros de poemas, sus composiciones y CD musicales.

Junto a los “hermosos atardeceres del rojo de las tunas” de mi pueblo escuché las retretas que se celebraban en la glorieta del parque municipal Amado Franco Bidó, dirigidas por Antonia Arté (Totón) y Daniel Colón (Lucero); además mi tío político, Luis Alberti, que al visitar mi pueblo, interpretaba piezas musicales en casa de su sobrina Lelia Tió Brea de Lora. En los años del 1970-1972 recibí clases de piano y solfeo con la profesora Tontón Arté, hija del maestro de generaciones, tanto en Santiago como en Mao, Emilio Arté, prominente músico clásico dominicano, de fama internacional y profesor de todos los citados anteriormente. Además, dirigió como solista de guitarra clásica, un concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Habana, Cuba, en 1940.

En 1971 participe en Mao en el primer Festival de la Canción Regional, quedando entre los finalistas, lo que motivó que al ingresar a la Facultad de Medicina de la Universidad Autónoma de Santo domingo, en 1972, me integrara como tenor al Coro Universitario, dirigido a la sazón por el maestro Luís Frías Sandoval, a la vez que recibía clases en la Escuela Elemental de Música “Elila Mena”, con los profesores Gracita Senior de Pellerano, Augusto Pellerano y otros.
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sábado, 13 de febrero de 2010

Bachata, ¿nuestro ritmo nacional?

DO-RE-MI
Por Juan Colón

Hemos visto con el correr de los años cómo la Bachata ha ido desarrollando su naturaleza, cultivándose, y logrando entrar a lugares jamás soñado por el merengue.

Muy contrario a lo que ha pasado con el merengue, que ha ido desmejorando hasta convertirse en un merengue que jamás llegará a los lugares donde un Johnny Ventura, Wilfrido Vargas y Juan Luis Guerra lo llevaron.

Los hechos se fueron sucediendo en una cadena de éxitos y de repente ésta se detiene para dar paso a unas fusiones que como reacción en cadena le han ido restando calidad musical e interpretativa a nuestro merengue.

En contra de quienes lo defienden a como dé lugar, es una verdad que no quieren aceptar, el merengue está en su etapa de desintegración definitiva a menos que surjan intérpretes con clase y fuerza para reconquistar los mercados internacionales, a los cuales no llega el merengue actual por no ser del agrado, y mucho menos del consumo, de un público que asimiló el merengue en sus etapas de calidad: la de Johnny, Félix, Wilfrido, Sergio, Fernandito, Ramón Orlando, Dionis Fernández y, el más trascendental, Juan Luis Guerra.

El éxito de Juan Luis Guerra, es de conocimiento de todos, no obstante tener muchos merengues de excelente calidad, tuvo en la bachata su gran baluarte. Su fusión de la bachata con las armonías de la música pop lo hicieron ser el eje central de la internacionalización de este ritmo, al cual siguieron Monchy y Alexandra, y, finalmente, Aventura, conjunto éste que con éxito arrollador ha transcendido a los niveles de los grandes de la música popular latina en todos los ámbitos del espectáculo.

Recientemente hemos podido ver su éxito monumental en el Madison Square Garden, el cual se vieron precisados a repetir y romper las hazañas de muchos grandes que habían abarrotado dicho lugar.

Luego, en un nivel un poco menor, tenemos a El Torito, Anthony Santos, y otros quienes están rompiendo las barreras de los tradicionales restaurantes del Alto Manhattan, Brooklyn, New Jersey, Providence, Boston, etc.

La trascendencia de Aventura y Juan Luis Guerra, debido a la degradación y decadencia del merengue, nos está llevando a asumir una posición quizás única, la de sustituir un ritmo de identidad musical por otro, algo nunca visto en la historia musical de los pueblos.

México aun con un gran desarrollo del Rock, Balada, Música Grupera, sigue teniendo la Ranchera como baluarte musical; lo mismo que la Cumbia para Colombia; el Bossa Nova y la Samba para Brasil; el Jazz para Estados Unidos; el Rock para Inglaterra; la Bomba y Plena para Puerto Rico, y así diferentes pueblos.

Nuestro pueblo, por ignorancia, por desconocimiento, víctima de la arrogancia de productores insensibles y poco educados, ha sido obligado a aceptar un desmantelamiento musical que ha dado con la agonía de nuestro merengue, porque eso les permite a los mercaderes responsables una serie de beneficios muy por encima de cualquier sentimiento patrio.

¿Dónde están los llamados líderes, los que han acumulado millones y lo pregonan desde las tarimas y programas de tv? ¿Por qué no se dedican a trabajar para mantener en alto nuestro folclor? ¿Por qué no trabajan un mejor merengue, con disqueras de alcance internacional?

Si observan, no existe un merenguero, llámese Sergio, Millie, Fernandito, El Torito, Eddy Herrera, Los Rosario, que esté representado por un sello discográfico de alcance internacional; entonces, ¿cómo podremos hacer llegar nuestro merengue? ¿A qué cree usted que se deba esta situación: a la falta de calidad de nuestros intérpretes, mentalidad estrecha de estos que se conforman con el mínimo o a un simple desdén de las casas disqueras por una clase que ha demostrado ser indisciplinada e irresponsable, con la que se hace difícil trabajar?

Somos un país rico musicalmente, de mucho talento, pero nuestra propia idiosincrasia nos hace ser indiferentes a lo que tenemos.

Nos queda el consuelo de que al menos la Bachata es nuestra y está representada por excelentes intérpretes, desde Luis Segura, Encarnación, Inocencio Cruz, Anthony Santos, Jeremías, El Torito, los ex Monchy & Alexandra, y nuestros dos grandes baluartes ahora mismo: Aventura y Juan Luis Guerra. En ese renglón, por lo menos hemos venido desarrollando una calidad profesional incuestionable la cual ha culminado en un éxito arrollador que ha trascendido y llegado a lo más alto de la música popular.

Bienvenida nuestra nueva representación musical, La Bachata, orgullo y honra de nuestro folclor.
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jueves, 17 de diciembre de 2009

Daniel Antonio Colón, Lucero

DO-RE-MI
Por Juan Colón

Educador musical nacido en Mao, el 29 de diciembre del año 1915. Falleció el 30 de agosto de 1994. Era hijo de Genaro Ventura y Daniela Colón. En 1943 contrajo matrimonio con Dolores Rodríguez y procrearon 8 hijos: Carmen, Sonia, Juan, Fátima, Domingo, Úrsula, Daniel hijo, Julia, y luego acogieron en sus corazones a mi querido hijo Jochy, haciéndolo suyo, un gesto de amor de grandes proporciones por lo que siempre les estaré agradecido.

A los catorce años estudió solfeo y armonía con Emilio Arté y con Fello Ignacio, en Santiago.

Trompetista con un gran sentido de la afinación, interpretación y la técnica para tocar, una de sus cualidades más brillantes era su sonido. Un sonido con un concepto muy clásico pero con la brillantez para la música popular. Estudió con el método de Arbam, uno de los mejores libros para trompetistas.

Era uno de esos músicos que tenían un oído perfecto (perfect pitch). Cualquier nota que tocara otro músico, él la identificaba por su nombre exacto. Debido a que era autodidacta, y como ese término, oído perfecto, no era conocido en nuestro medio en ese entonces, no creo que él mismo supiera el don que tenía.

En 1930 ingresó a la Banda Municipal de Música de manera honorífica, un año más tarde de manera oficial ganando un salario de $4.00 pesos mensuales.

Desde muy temprano empezó a tocar en bandas y bailes con las orquestas de su tiempo. En el año 1945, durante un viaje al municipio de Mamey el vehículo que lo transportaba sufrió una volcadura quedando muchos de ellos muy afectados, principalmente su padre Genaro.

Fue un arreglista natural, en base a hacer el papel de un instrumento seguía con los restantes hasta completarlo. Tocaba con las agrupaciones de Esperanza, Guayubín, Monción, Santiago Rodríguez, Santiago, Villa Vásquez, Monte Cristi, Mao, etc.

Formó un sexteto por los años 1950 y más tarde una orquesta, Lucero y sus Estrellas, donde el Negrito Corcino era su principal cantante.

También se desempeñaba como agrimensor y pudo manejar muy bien las dos posiciones, siendo director del departamento de catastro por más de veinte años. Su coraje como hombre de familia me hace sentir realmente muy orgulloso de su gran hazaña en la lucha para llevar adelante ocho hijos. Como padre ha sido el regalo más grande que la vida me haya dado. Hombre ejemplar, junto a nuestra madre se quitaban el pan de sus bocas para darnos a nosotros un poco de toda su muestra de amor.

Fue director de la Banda Municipal de Monción en el 1949 y un año más tarde ingresa a la Banda Municipal de Mao siendo director por unos treinta años, y al final su gran amor por la educación del músico lo hizo dedicar sus últimos años a su gran pasión, la enseñanza.

Compuso algunas piezas musicales: los boleros Mendigo de Amor y Soledad; los merengues, En la Serranía, (este fue grabado por Humberto Reyes, El chivo, cuando formó su orquesta), y “vamo’ a dai tiza con ei mingo”, un merengue con letras de doble sentido, bien jocoso; también himnos para la escuela y el ayuntamiento.

Fue un educador musical en todo el sentido de la palabra; lo hacía con mucho amor, dedicación, coraje y entrega. Fue un maestro innato. Hay músicos muy bien preparados pero no saben enseñar. Para enseñar hay que tener un gran desprendimiento del ego personal, es abrirse a los ojos de un extraño.

Podía enseñar no sólo trompetistas, sino también clarinetistas, flautistas, saxofonistas, porque tenía la intuición del educador por excelencia y sabía por dónde dirigir al alumno.

Sufría cuando muchos estudiantes no podían cantar las lecciones de solfeo (el arte de aprender a leer música). Exigía que fueran cantadas y era muy impaciente cuando no veía el talento para el aprendizaje en el alumno, llegando a veces a ser rudo al decirle a un estudiante que no tenía talento y se lo estrujaba en la cara, lo cual le creó muchos conflictos con padres de los estudiantes. Esto es algo muy normal en las personas con extraordinarias condiciones y mucho más cuando las emplea en la enseñanza.

Tuvo muchos problemas con alumnos que querían que se les “enseñara” a como diera lugar. El problema con la música, la pintura, el baile, (las Artes en general) es que hay que nacer con ciertas condiciones especiales para su desarrollo. Estas profesiones son arte y ciencia al mismo tiempo, y no solo se puede aprender a través de los libros, hay algo más que los libros no pueden enseñar. Hoy día se ha estudiado el cerebro de las personas con inclinaciones a las artes y existen diferencias con el de una persona normal.

Tener esa gran capacidad para enseñar es una virtud, y al mismo tiempo hay que estar preparados para que luego personas que no pudieron ser músicos por su falta de talento quieran pagar sus frustraciones con el maestro.

Me considero un privilegiado al haber sido enseñado por Lucero, y tenerlo como padre al mismo tiempo. Fue mi gran modelo a seguir en todos los aspectos y aunque no lo haya logrado siempre, traté de no defraudarlo del todo.

Por sus manos pasaron grandes músicos que han logrado ser excelentes profesionales: Humberto Reyes, Papo Núñez, Diómedes Núñez, Estenio Castellanos, Caín, Patricio Bonilla, Domingo Ventura, Juan Colón, y otros muchachos cuyos nombres no recuerdo.

Lo que soy como músico se lo debo en un enorme porcentaje a las enseñanzas de mi padre, el cual de una manera amorosa puso todo su empeño en enseñarme lo mejor de sí, lo cual hizo, aunque de una manera inconsciente me privó de la niñez, para darme todos sus conocimientos. Por eso lo amaré hasta mi último suspiro en este plano terrenal.

Daniel Antonio Colón, Lucero, fue un excelente educador musical, con una fuerza de lucha admirable, ejemplar. La impaciencia que mostró con algunos alumnos puede verse como un sentimiento de frustración fruto de lo mucho que le importaba el aprendizaje de sus pupilos que se manifestaba al no ver los resultados que esperaba.

Toda la familia se siente honrada de que nuestra banda municipal de música lleve su nombre.

Aunque siempre supe de su gran valor como persona, me tomó muchos años de estudios para entender su gran obra como educador y su enorme capacidad musical en todos los aspectos.

Dio todo por la enseñanza y solo exigía ser correspondido al ver la superación del estudiante. Loor a ti excelente padre, amigo y educador. No ha habido día después de tu partida que no recuerde cuanto te extraña mi corazón.

Amor eterno en nombre de una familia cuyos miembros agradecemos en el alma a ti y a la Dña. (nuestra madre) los sacrificios que hicieron para criarnos como hombres y mujeres honestos y de bien. Estamos orgullosos de ti, Pío. En paz descanses.

El autor es un destacado saxofonista maeño, quien ha formado parte de las orquestas de Millie y los Vecinos, Rafael Solano y Juan Luis Guerra, entre otros grandes. Reside en Nueva York y hoy día se dedica a interpretar jazz con su grupo Sonido Latino.



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miércoles, 2 de diciembre de 2009

Latin music USA. Documental.

DO-RE-MI
Por Juan Colón

Una vez más, nuestro destacado músico señala con coraje lo que considera ha llevado nuestra música bandera, el merengue, a la situación de irrespeto en que se encuentra hoy en el mundo y nos alerta a que si no hacemos algo al respecto lo veremos desaparecer.

Hace unos días pude ver en la TV Pública, canal 13 de New York, un documental sobre la influencia de la música latina en la comunidad latina residente en los Estados Unidos.

No conforme con lo visto en el programa, ordené el DVD porque me intrigó el hecho de no ver en ningún momento ni siquiera la palabra merengue, mucho menos una agrupación.

No es la primera vez que cuando se habla de la música latina en USA no se habla del merengue, sólo tienen vigencia los cubanos, puertorriqueños y los mexicanos.

A los creadores de dicho DVD quiero darles algunos datos por si acaso no los tenían a mano.

Tenemos glorias del merengue que honraron nuestra música: Dioris Valladares, Primitivo Santos, Chapuseaux y Damirón, Joseito Mateo, Johnny Ventura, Wilfrido Vargas, Juan Luis Guerra, por citar algunos.

Me pregunto, ¿no reúnen suficientes créditos estos exponentes del merengue? Por eso nunca he estado ni estaré de acuerdo en ningún tipo de reconocimiento a Johnny Pacheco porque este nunca sacó la cara por el merengue, sólo le interesó la Salsa como género a explotar.

Al parecer la comunidad dominicana en el extranjero, en especial en usa, no es válida para ser tomada en cuenta.

Somos una comunidad de tanto valor como cualquier otra. Que pueden alegar, ¿que no hacemos buen merengue hoy día? No obstante, no tienen asidero para ignorarnos de la manera que lo han hecho.

Tenemos un género musical que nos identifica como pueblo al igual que los cubanos con su música, los boricuas, los mexicanos.

Ser excluidos es una burla de un grupo de negociantes mercaderes de la música los cuales sólo sirven sus intereses personales a favor de unos cuantos.

¿Dónde están nuestros famosos defensores, nuestros representantes, nuestros líderes que sólo saben buscar sus beneficios?

¿Es el merengue una vergüenza musical? De serlo, entonces ningún ritmo latino tiene más categoría que el nuestro porque ningunos son puros, todos descienden de nuestros ancestros africanos.

A los lectores amantes de la historia de la música, observen que sólo los músicos llegados aquí por los años 1965-1970 fueron los que pudieron entrar al conglomerado de la música latina en New York, después de esa fecha ningún músico merenguero pudo entrar porque nunca fue considerado apto para entrar, siempre hubo un discreto rechazo, alegando que no sabíamos tocar, improvisar, ni teníamos la conciencia de la música requerida.

Este documental, indiscutiblemente muy bien logrado, sólo es válido para todo aquel que no sea dominicano.

Para la historia de la música latina en usa, nuestra música nunca fue tomada en cuenta, así que ya podrán imaginar que, si ninguno de estos inmensos artistas nuestros tuvieron las calificaciones necesarias para ser tomados en cuenta, imagínese lo que les espera a las siguientes generaciones.

Una triste realidad y una burla gigantesca para nuestra música, sólo nos queda esperar que alguien toque las campanas para el entierro final de nuestro ritmo el merengue, honra de cada dominicano en cualquier lugar del mundo.


El autor es un destacado saxofonista maeño, quien ha formado parte de las orquestas de Millie y los Vecinos, Rafael Solano y Juan Luis Guerra, entre otros grandes. Reside en Nueva York y hoy día se dedica a interpretar jazz con su grupo Sonido Latino.

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